이서평의 읽으며 생각하며

Platform L에서 열리는 카럴 마르턴스(Karel Martens)라는 네덜란드 디자이너의 작품전 전시회에 다녀왔다. 1939년생이고 지금도 생존해 있는 이제는 원로 디자이너라고 할 수 있는 그의 작품들은 시각 디지이너의 작업물들이 주류를 이루었다. 작품들이 완성된 느낌보다는 구상중인 상태의 형태들이 많았다. 그래서인지 예전에 학교 제도 시간의 작품을 떠오르게 했다. 이런 느낌의 그의 작품의 정체성이라면 정체성이겠다. 그의 작품들은 하얀색이 많이 들어가 있어서 깔끔한 느낌을 주었다.

카럴 마르턴스의 작품이 많이 전시되어 있지 않았다. 그래서 전시회 입장료의 가격도 5,000원으로 비교적 저렴하게 책정되어 있었다. 그의 작품이 적어서는 아니고, 전시장 자체가 거대 규모를 자랑하지는 않았다. <Karel Martens: Still Moving>전은 플랫홈 엘(Platform L)에서 전시되었다. 논현동에 자리한 플랫홈 엘은 2016년에 개관한 최신 문화공간이다. 동네가 동네인만큼 과천 현대미술관처럼 크게 자리 잡지는 못했다. 그리고 건물 중간이 뚫려 있어서 전시공간이 더 적어졌다. 그래서 아마도 대규모 전시를 기획하기는 어려울 것이다.

작은 규모에도 불구하고 플렛홈엘이 가지고 있는 매력은 상당하다. 일단 외관이 아주 예술적이다. 플랫홈엘의 건물을 보면 거의 모든 사람들은 “도대체 이 건물은 무엇일까?”라는 의문을 가질만한 독특하면서 세련된 외관을 자랑한다. 이미 건물외관으로 예술 전시관임을 알린다. 그리고 안으로 들어가도 특이하다. 더 특이한 것은 건물은 테두리처럼 연결되어 있고 중간이 비어있다. 이 비어있는 공간은 몇몇의 전시품이 전시되어 있다. 그 태두리 중 한 곳에 입구로 되어 있어서, 들어가면 나선형으로 올라가는 구조로 건물이 되어 있다. 그런 면에서 약간 구겐하임같은 느낌을 조금 받았다. 일단 전시도 전시였지만 건물구조의 특이함에 흥미를 느끼게 했다.

플렛홈엘은 패션의 문외한인 나도 들어본 적인 루이 까토즈(Louis Quatorze)에서 운영한다.건물 정면에 있는 필기체 L과 Q를 섞어 놓은 문양은 루이 까토즈의 첫글자 줄임표시이다. 루이 까토즈는 불어로 루이 14세를 뜻한다. 즉, 예전 태양왕이라고 불리며 절대권세를 누리던 루이 14세에서 영감을 받아 만들어진 브랜드이다. 원래는 1980년에 프랑스에서 시작되었다가 수입업체인 태진인터네셔널이 인수하여 지금은 한국기업이 되었다. 그래서 겉만 보면 정통 프랑스 기업같아 보이지만 한국기업이다. 마치 예전에 필라(Fila)가 이탈리아 기업이었는데, 그것의 자회사였던 한국필라가 모기업을 인수하여 필라가 한국기업이 된 것과 약간은 비슷하다. 인수 후에도 계속 프랑스 기업은 아니지만 프랑스 이미지를 고수해서 상당한 성과를 거둔다. 많은 소비자가 실제 품질이나 디자인보다는 이미지를 구매하는 것을 고려한다면 루이 까토즈의 프랑스 이미지 고수는 상당히 성공적인 전략이었다. 게다가 놀랍게 거꾸로 파리 마레 지구에 점포를 열었다. 아마 같은 제품을 태원인터네셔널이라는 이름으로 런칭했으면 일어나지 않았을 일이다. 그런 의미에서 태원인터네셔널은 영리하다. 이뿐 만아니라 프랑스 문화를 위해서 후원도 하고, 플렛홈엘 같은 문화공간을 만들어서 루이 까토즈의 이미지 상승에 도움을 주는 전략도 영리하다.

다만 전시관의 위치가 눈에 뜨이는 자리는 아니라는 점이 아쉬운 점이라면 아쉬운 점이다. 7호선 학동역에서 매우 가까운 거리인데 대로변이 아니라서 이곳을 맵을 켜고 찾아가야 했다. 찾아갔을 때 “세상에 이런 곳이!!”라는 탄성을 질러야 했다. 긍정적으로 보자면 확실히 찾아서 놀라는 재미는 있는 것 같다. 그래도 미술관 안에 있는 Things that matter 카페샵도 있고, 근처에 잔잔하게 가볼 만한 공간들이 꽤 있어서, 미술관에서 관람한 후에 구경하는 맛도 있을 것 같다.   

미술에 대해 얄팍한 지식을 가지고 있는 사람으로서 미술관에 가게 되면 꼭 유명한 그림을 찾게 마련이다. 그동안 교과서나 대중매체에서 많이 접해왔던 작품을 보면 마치 오랜 친구를 만난 것처럼 반갑다. 그리고 그 친구(?)를 만나면 그 미술관에 온 목적을 달성한 것 같은 느낌을 받는다. 가끔 그 유명한 친구가 다른 미술관에 대여되어서 없다면 지불한 입장료가 아까운 기분도 든다. 하지만 어차피 아는 그림을 보러간다면 굳이 미술관까지 갈 필요가 있을까한다. 오랜 시간동안 나도 유명한 그림을 찾아 헤매다가 근래 들어서야 내가 알던 친구뿐만 아니라 새로운 그림을 만나고 반갑게 인사하기도 한다.

또한 진품에 대한 갈망이 크다. 똑같은 그림이라도 진품을 봐야 그 감동이 더 크다고 생각한다. 놀랍게도 진품과 가품을 구분도 못하면서 진품만을 찾는다. 그러다보면 원래 그림을 느낄 때 그 자체로 감정을 교류해야 하는데, 머리로 이것은 진짜니까 더 가치가 있고 감정을 느껴야 한다고 스스로 강요한다. 그러다보면 느껴야 할 감정은 이미 다른 곳으로 사라진다. 그렇다면 본래 미술관에 온 목적은 달성하지 못한다. 물론 미술관에 온 목적이 진품감정이면 모르겠지만 말이다.

명화를 명화 그대로 보는 것도 감동적인 일이다. 하지만 명화의 영감을 받아서 재창조되는 예술도 그에 못지않은 감동을 주기도 한다. 예술의 전당의 한가람 미술관에 있었던 <그대, 나의 뮤즈>는 근대 명화들에서 영감을 받아 새롭게 예술을 탄생시켰다. 특이했던 점은 거의 대부분 작품을 전통적인 캔버스가 아닌 LED 디스플레이로 그림을 재탄생시켰다. 재탄생된 그림은 움직이기도 하고, 본 작품에는 보이지 않았던 부분도 상상력으로 더 그려 넣어져서 확장되었다.

이렇게 재창조한 작품에 대해서 이미 죽은 원작자들은 어떻게 받아들일지는 모르겠다. 하지만 충분히 현대화되어 재해석된 모습을 보고 아마도 좋아하지 않을까한다. 물론 전통적인 그림방식도 아직 유효하다. 하지만 21세기 디지털 시대에는 미술은 또 다른 의미가 되었다. 만질 수 없는 그림이지만 그것이 사람의 감각기관에 들어와서 감동을 준다면 그것이 바로 예술이라고 생각한다.

<그대, 나의 뮤즈>의 경우에는 누구나 알만한 명작으로 꾸며져 있다. 그런데 같은 형식으로 새로운 그림을 선보여도 충분히 성공할 수 있을 것 같다. 이제 그림을 붓으로 그리기 보다는 컴퓨터를 통해서 그리고 상상력의 나래를 펴서 사람들의 감각의 지평을 넓힌다면 그것이 바로 하나의 진보가 아닐까 싶다.

또한 디지털 형태로 구현된 미술이 가지는 의의는 기존에 있었던 명화를 더 가깝게 해주는 역할을 한다. 유명한 명화를 보면 왜 유명한지도 모르고 미술품과 같이 셀카를 찍고 저장해 두면서 흐믓해 하는 경우도 종종 있다. 그러고 나서 쇼셜미디어에 자랑을 하거나, 하드에 옮기고 잊고 산다.

젊은 층에게 가까운 디지털 미디어로 구현된 미술은 작품에 대한 이해를 높일 수 있는 계기가 된다. 나 역시 반 고흐의 작품들이 아주 큰 디스플레이로 전시되어 있는데, 마치 프랑스에 온 작은 착각이 들었다. 그리고 반 고흐가 가졌을 법한 생각을 좀 더 쉽게 다가갈 수 있었다. 왜 그가 해바라기를 그 만의 그림체로 그렸는지, 아니면 밤의 별들을 그 만의 그림체로 그렸는지 조금 더 잘 이해할 수 있었다. 이런 과정은 MET나 MOMA같은 곳에서는 쉽사리 느낄 수 없는 과정이었다. 앞으로 이와 비슷한 혹은 더 달라진 전시회가 더 많아졌으면 하다.

서울역사박물관 기획전시실에서 열렸던 <1904 입체사진으로 본 서울풍경>을 관람하고 왔다. 서울역사박물관에는 간혹 가는데, 전시물이 잘 바뀌지 않는 상설전시실과 철마다 내용에 변화를 주는 기획전시실이 있다. 기획전시실의 규모는 상설전시실에 비해 작지만 내용은 튼실하고 새로워서 항상 서울역사박물관을 찾게 된다.

입체사진은 약간의 간격을 두고 동시에 찍은 후 입체경이라는 도구를 통해 보면 평면적인 모습이 아니라 마치 그 공간에 온 것 같은 착각을 들게하는 입체감을 선사하는 사진이다. 전시실에는 여러 입체사진이 전시되어있었고, 고정된 입체경이 부착되어있어서 서울의 여러 곳을 입체적으로 들여다보는 재미가 있었다.

입체사진이라는 다소 생소한 사진도 흥미거리였지만, 불과 114년 전의 서울의 모습은 지금으로는 상상할 수 없는 세상이었음을 다시 한 번 느끼게 되었다. 지금 우리가 겪고 있는 여러 사회적 진통의 한 원인은 우리 사회가 정말 급속하게 변화했기 때문이다. 114년 후인 2132년에 2018년을 보면 어떨까? 아마도 의료기술의 발전으로 그 때까지 2018년을 겪은 사람도 살아있을 가능성이 크고, 입체사진보다는 이미 많이 남겨진 동영상을 통해서 2018년을 볼 것이다. 분명한 것은 마치 1904년에 2018년을 제대로 상상하기 어려웠던 것처럼 2018년에 2132년을 그려보기는 쉽지 않다. 같은 서울이라는 공간은 이렇게 세월에 따라 변한다.  

문화역서울 284에서 2018년 7월 6일부터 9월 2일까지 열리는 <개성공단> 전시회에 다녀왔다. 남북협력이라는 큰 의미를 가지고 있었지만 말도 많고 탈도 많았던 개성공단이 지금은 멈추어있다. 하지만 다시 남북관계가 호전되고 있는 지금, 개성공단의 의미를 다시 곱씹어 보는 것은 상당히 시의성이 있다. 김봉학프로덕션, 무늬만커뮤니티, 양아치, 유수, 이부록, 이예승, 임흥순, 제인진카이센, 정정엽, 최원준 등이 참여한 이 전시회는 개성공단을 주제로 각 작가들의 다양한 시각을 볼 수 있는 기회를 제공하였다.

전시회의 특이한 점은 개성공단에 대한 기초적인 지식을 제공할 수 있는 공간도 마련했다는 점이다. 예를 들면, "행정서류로 읽는 개성공단의 일상"이라는 섹션에는 개성공단과 관련된 각종 서류들을 전시해두었다. 박사를 행정학으로 받은 나로서는 눈길이 가지 않을 수 없었다. 특히 이 섹션은 예술이라는 주관적인 시각 뿐만 아니라, 실제로 일어났었던 일들을 객관적으로 살펴볼 수 있어서 좋았다.

그리고 예전 서울역을 리모델링한 문화역서울 284 안에 처음으로 들어가보았는데 기대보다 더 잘 조성되었다. 다른 용도로도 충분히 쓸 수 있었겠지만, 21세기 문화의 시대에 발 맞추어, 서울의 중심지에 미술관으로 바꾼 것은 아주 좋은 결정이었다. 또한 미술관으로 바꾸었지만 예전의 모습이 남아있고, 공간 한 켠에는 어떻게 리모델링을 했는지도 잘 남겨두었다. 일제시대때 서울역에서 역장을 하던 사람은 서울역이 이렇게 변했을 지는 꿈에도 생각하지 못했을 것이다. 아마도 살아있다면 이런 변화를 환영하지 않았을까한다.

K현대미술관에서 있었던 위대한 낙서전에 다녀왔다. 472버스를 탈 때 간혹 지나가던 미술관이었는데 이번에야 처음으로 들어가 보았다. 층별로 다른 전시를 하고 있었다. 위대한 낙서전에는 Crash, Nick Walker, Jonone, JR, TANC, M.Chat, Zevs, 그리고 Obey Gaint 까지 8명의 작가들의 작품이 전시되어 있었다.

그 중 가장 눈에 띄고 마음에 드는 작가는 Obey Giant였다. 본명은 Shepard Fairey인 예술가이다. 흥미로운 것은 그가 처음부터 크게 히트할 것을 생각하고 스프레이를 든 것은 아니었다. 처음에 Andre the Giant(레슬링 선수)에서 영감을 그림을 그리기 시작했는데, 점차 인지도를 얻었다. 그리고 꾸준한 활동을 통해서 자신의 만의 영역을 구축하였다. 나는 이것이 중요하다고 생각한다. 처음에 성공과 실패 혹은 성공을 했다면 얼마큼 성공을 했냐는 특히 예술쪽 분야에서는 운이 따라야 한다고 생각한다. 하지만 그 성공을 꾸준히 이끌어 자신만의 아이덴티티를 구축하는 것은 부단한 노력의 결과라고 생각한다.

그의 가장 유명한 그림 중 하나는 오바마 대통령 초상화이다. 누구나 오바마 대통령을 그릴 수 있다. 하지만 그가 그린 오바마 대통령 그림은 딱 봐도 그의 그림인줄 알 수 있다. 잘 모르는 사람들은 Obey Giant가 이 그림만 알겠지만 사실 그는 아주 많은 그림을 그렸다. 그리고 그 그림들은 그의 에너지를 보여준다. 전시회에서는 다른 작가들과 같이 있었기 때문에 많은 작품이 있지는 않았지만 그가 세상을 표현하는 독자적인 방식은 마음이 들었다.